Delia Derbyshire „Dr Who Theme“ (1963)
Der erste elektronische Hit, der noch vor der Ära der industriellen Synthesizer entstand. Ein junger Mitarbeiter des BBC Radiophonic Workshop nahm das Titelthema für die neue Serie mit Hilfe von Generatoren für weißes Rauschen und Tonoszillatoren auf – Instrumente, die eigentlich dazu gedacht waren, die Akustik eines Raums zu testen, und nicht, um Musik zu erzeugen. Es folgten stundenlanges Spleißen von Filmen, Beschleunigen und Verlangsamen von Loops, Overdubs und andere manuelle Arbeiten. Das Ergebnis war eines der bekanntesten Themen des Kinos, das elektronische Musik und Science-Fiction für lange Zeit miteinander verband. Trotz des Erfolgs der Serie wollte Decca es zunächst nicht einmal auf Vinyl herausbringen, weil es für die Standards der Sechzigerjahre zu ungewöhnlich klang. Ein Jahr später wurde „Dr Who Theme“ schließlich offiziell veröffentlicht.
Morton Subotnick „Silberne Äpfel des Mondes“ (1967)
Wenn Delia Derbyshire zeigte, dass es durchaus möglich war, mit elektronischen Instrumenten Hits zu kreieren, setzte der amerikanische Komponist Morton Subotnick einen weiteren grundlegenden Vektor für den Bereich der elektronischen Musik. Die Veröffentlichung der Platte durch das Label Nonesuch (das bis dahin nur klassische Musik veröffentlicht hatte) schien die Elektronik als hohe Kunst anzuerkennen. Und das aus gutem Grund – mit dem modularen Buchla-100-System (das Subotnick selbst mit dem Ingenieur Don Buchla entwickelt hat) zeigt Morton, dass der Synthesizer nicht nur ein weiteres Instrument in der großen Familie ist, sondern ein Werkzeug der Avantgarde, um sich von den lästigen Beschränkungen der musikalischen Tradition zu befreien. Ohne diese Platte gäbe es keinen Glitch, keine späten Autechre und keine aktuelle Renaissance der modularen Synthesizer.
Neu! „Hallogallo“ (1972).
Krautrock ist ein klassisches Beispiel für Musik, die ihrer Zeit voraus ist. In den siebziger Jahren versuchten trendhungrige Verlage (vor allem in Großbritannien) erfolglos, einen deutschen Krawallmacher zum Star zu machen. Richtig geschätzt wurde die Musik erst in den neunziger Jahren, als man begann, Bücher über Krautrock zu schreiben und sein Einfluss von allen möglichen Musikern von Radiohead bis Seefeel und Mouse on Mars diskutiert wurde. Die Düsseldorfer Band Neu!, die von Michael Roter und Klaus Dinger gegründet wurde, nachdem sie Kraftwerk verlassen hatten, schien das wichtigste Symbol der Krautrock-Renaissance zu sein. In den Neunzigern wurden sie von Stereolab und System7 gesampelt, Cover wurden von Download und Autechre aufgenommen. In den Nullerjahren wurde Neu! massiv wiederveröffentlicht, und 2010 wurde die Neo-Rekrutierung, die sich vor allem auf das Schlagzeugmuster von Klaus Dinger stützt, wenn nicht zur Massenmusik, so doch zur Mode.
Tangerine Dream „Rubycon pt 1“ (1974)
Edgar Frese und seine wechselnde Besetzung begannen mit düsterer, fast lärmiger Musik, entdeckten aber 1973 die Sequenzer, und von da an war die Welt nicht mehr dieselbe. Die Formel „pulsierende Bässe, geloopte Notenfolgen, die die Form des Klangs leicht verändern, und erhabene Streicher im Hintergrund“ sollte nicht nur die Space-Elektronik aller möglichen Wellen und Generationen definieren, sondern auch die Synth-Disco – was würde etwa Giorgio Moroder ohne dieses Zeug tun? – und dann Trance. Und die Titelmelodie von „Stranger Things“ ist im Grunde eine Hommage an Tangerine Dream.
Donna Summer „I Feel Love“ (1977)
Früher dachten wir, dass die Zukunft nicht auf Bestellung gemacht wird, sondern sich von selbst ergibt („die Zukunft passiert uns, während wir mit anderen Dingen beschäftigt sind“, wie Karl Bartos von Kraftwerk sang). Im Fall von „I Feel Love“ war das nicht der Fall. Sein Produzent, Giorgio Moroder, wurde von Donna Summer gebeten, „etwas zu machen, das wie die Musik der Zukunft klingt“. Der Track sollte nur das Sahnehäubchen auf einer bunten Retro-Albumtorte sein, auf der Donna abwechselnd musikalische Outfits aus verschiedenen Epochen anprobierte. Das Ergebnis ist nicht nur einer der größten Disco-Hits der Welt, sondern ein Track, ohne den es keine Club-Electronica mehr geben würde.
Human League „Being Boiled“ (1978)
Die Debütsingle der Band aus Sheffield ist die perfekte Balance zwischen stirnrunzelnder und abschreckender, aber immer noch poppiger Musik und experimentellem, bahnbrechendem Sounddesign. Dieses Gleichgewicht sollte bald zerstört werden, als Sänger Phil Oakey das Ruder übernahm und Human League für lange Zeit zu einem der wichtigsten britischen Lieferanten von Dance-Pop-Hits wurde. Aber ihr größter Beitrag zur Geschichte ist dieses frühe Stück. Ohne ihn gäbe es weder Depeche Mode noch das EBM-Genre und vielleicht nicht einmal Techno und Hip-Hop (die Single wird immer noch oft von Grandmaster Flash in seinen Sets gespielt).
The Orb „Kleine flauschige Wolken“ (1991)
Diese Patchwork-ähnliche Collage, die auf Samples von Steve Reich, Ennio Morricone und Harri Nielson sowie einem Interview mit der Sängerin und Schauspielerin Ricki Lee Jones basiert (natürlich ohne Erlaubnis verwendet), ist eine Hymne nicht nur für Ambient House, sondern für die Chillout-Szene im Allgemeinen und das breitere Konzept der Sampladelic. Es war Alex Patterson, der zum Helden derjenigen wurde, die in die Clubs gingen, nicht nur um zu tanzen, sondern auch um auf Matratzen zu liegen, seltsamer Musik zu lauschen und manchmal den Kopf im Takt zu bewegen.